Robert Sheldon es actualmente editor de bandas de concierto en Alfred Publishing Co., Inc., una editorial musical con sede en California. A lo largo de su carrera, el Sr. Sheldon también ha alcanzado un gran éxito como compositor, y es incluso reconocido como uno de los compositores de música para banda de viento más interpretados en la actualidad. Se le ha invitado a dirigir como director invitado interpretaciones de sus propias composiciones en los escenarios más prestigiosos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York.  No obstante, el Sr. Sheldon afirma que su «primer amor» en lo que respecta a su vida profesional siempre ha sido la enseñanza. Ha disfrutado de una ilustre trayectoria de 28 años trabajando como profesor de música en diversos niveles del sistema educativo, desde la escuela primaria hasta la universidad. Su amor por la música y por las personas le ha llevado a recibir múltiples premios de la Asociación Americana de Directores de Bandas Escolares. Hoy en día, el Sr. Sheldon es invitado con frecuencia a compartir sus excelentes habilidades docentes con jóvenes aspirantes a músicos en campamentos y talleres musicales que se celebran por todo el mundo.

¿Cómo has logrado forjarte una carrera profesional satisfactoria y llena de éxitos?

Empecé actuando mucho en el instituto, lo que con el tiempo me llevó a adquirir experiencia como músico profesional. Cuando me gradué, decidí que quería ir a la Universidad de Miami, porque sabía que allí tendría muchas oportunidades de tocar profesionalmente mientras estudiaba. Esto era especialmente importante para mí, ya que me permitía pagarme los estudios.

Además, en aquella época me interesaban mucho diferentes ámbitos de la música: el jazz, la interpretación y, por supuesto, ¡también me encantaba dar clases! Así que, aunque en aquel momento componía música porque había profesores de composición concretos con los que quería estudiar, al final decidí orientarme hacia la educación musical. Una vez que me licencié, conseguí un trabajo como profesor de la banda y la orquesta de un instituto durante cuatro años, antes de volver a estudiar en la Universidad de Florida para cursar un máster en dirección orquestal. Después de eso, de hecho me quedé en la Universidad de Florida, donde seguí impartiendo clases durante tres años más e incluso tuve la divertida experiencia de trabajar con la radio pública nacional, afiliada a la Universidad de Florida, donde dirigí un programa de música clásica.

Después de eso, trabajé en un instituto cerca de mi ciudad natal durante seis años, impartiendo clases de banda y orquesta mientras seguía componiendo música. Mi carrera como compositor empezó a despegar de verdad en esa época, lo que me llevó a una serie de oportunidades como director invitado. Así que, aunque estaba increíblemente ocupado durante esa etapa de mi vida —tenía mi vida escolar: daba clase todo el día, luego volvía a casa y componía por la noche y los fines de semana, y además viajaba los fines de semana para dirigir diferentes grupos—, ¡fue realmente una etapa muy feliz y divertida de mi vida profesional!

Después recibí una oferta de trabajo en la Universidad Estatal de Florida, donde impartí clases de dirección, composición, arreglos y educación musical, además de dirigir «The Marching Chiefs», la banda de marcha de la FSU compuesta por 450 miembros. Fue una experiencia inusual y maravillosa: ¡mucha diversión y mucho trabajo! En ese momento de mi carrera, decidí que quería centrarme más en mi faceta como compositor. Así que dejé ese trabajo y me mudé a Illinois, donde asumí la dirección de otra banda de instituto, pero esta vez las responsabilidades del puesto me permitían dedicar más tiempo a la composición. Lo hice durante los siguientes 12 años y disfruté de un equilibrio entre todas mis pasiones musicales. A medida que mi agenda como director invitado se iba llenando, recibía muchos encargos de composición y disfrutaba mucho con mi labor docente.

En 2003, uno de mis editores me invitó a aceptar un puesto como editor en la editorial para la que trabajaba. Así que, tras 28 años dedicándome a la enseñanza en distintos lugares, me jubilé y acepté mi puesto actual en Alfred Music, en California. Sin embargo, vivo en Illinois y trabajo a distancia. Este trabajo me ha brindado aún más oportunidades para componer y dirigir, ya que puedo organizar mi tiempo de otra manera y con mayor flexibilidad. Y sigo impartiendo talleres musicales para profesores unas 40-45 veces al año, a veces solo durante un día, otras durante una semana. Acabo de terminar un festival de música de 10 días en Japón y, en mayo, pasé tres semanas en China dirigiendo a varios grupos en distintas ciudades del país. La semana que viene me voy a Alemania para impartir un campamento musical de una semana. Sin embargo, lo más habitual es que imparta clases en Estados Unidos y Canadá.

Me gusta tanto lo que hago —trabajar desde casa como redactora, editora y directora de un catálogo de música para banda, junto a unos compañeros maravillosos— que no quiero que nada cambie, necesariamente. Seguiré haciéndolo mientras me divierta, ¡y ahora mismo me divierte muchísimo!

¿Cuál dirías que ha sido el «momento más destacado» de tu carrera?

Jaja, creo que, como profesor, los logros de los que más te sientes orgulloso son, en realidad, los de tus alumnos, no los tuyos propios. Y hubo muchos. ¡Ocurrían constantemente! Pero diría que los momentos de mayor orgullo solían ser aquellos que nadie veía. Por ejemplo, una vez, durante un ensayo, se fundieron todas las bombillas y hubo una especie de momento trascendental en el que todo el mundo siguió tocando para mantener viva la música. A veces ocurrían en público durante una actuación, ya sabes, cuando tenías una actuación increíble y cosas por el estilo. Pero, en general, eran esos momentos en los ensayos en los que terminabas algo con éxito y era una sensación increíble, que te acompañaba durante el resto del día.  

¿Qué consejo le darías a alguien que está pensando en cursar estudios formales de música?

He impartido clases de música en distintos niveles y, a menudo, oigo a los alumnos decir «quiero ser un...», ya sea intérprete o compositor. Es un objetivo estupendo, pero siempre les aconsejo que obtengan un título en educación musical. Muchas veces me responden: «Bueno, es que no quiero dar clases». Pero la cuestión es que, si vas a ser intérprete o compositor, y si quieres tener algún tipo de éxito, probablemente, en algún momento de tu carrera, formarás parte del cuerpo docente de una universidad, donde se espera que enseñes lo que sabes. Así que, para aquellos que no quieren ser profesores: los mejores directores de orquesta, intérpretes y compositores han dado clases en algún momento. Y la licenciatura en Educación Musical, al menos, te permite hacer algo: enseñar. Una licenciatura en Interpretación, Composición o Dirección… puede que recibas una formación sólida, ¡pero en realidad no te da más titulación que la que tenías antes de ir a la universidad! Lo que más impulsa tu carrera en ese sentido son los contactos que haces: eso es lo valioso.

No digo que los sueños no sean importantes, pero creo que es peligroso decir «voy a dedicarme profesionalmente a la composición musical». Es difícil decir «sí, voy a ser compositor y, por eso, voy a formarme para ello»… y dar por hecho que va a ser posible. Porque, por mucho que compongas, es muy posible que nadie compre nada de lo que compongas. Y aunque tu música sea muy buena, eso no significa que nadie vaya a comprarla; eso no tiene por qué tener que ver con la calidad, sino con el atractivo que resulte para el público, sea cual sea. En algunos casos, los artistas no producen necesariamente lo que resulta más aceptable (eso forma parte del arte: ser un poco transgresor a veces). Hay muchas cosas que he escrito que nunca se publicarán, y no me importa. Pero, como resultado, nunca he considerado la composición como mi principal objetivo. No es algo con lo que haya contado nunca. Pero, al igual que cualquier otra forma de arte escénico, puede que no necesites ninguna formación para ser fantástico y, a la inversa, por mucha formación que recibas, puede que sigas sin tener éxito. Lo hago más por diversión que por otra cosa, pero he tenido mucha suerte de que se haya visto recompensado de muchas formas diferentes.

Tenemos que preguntarte... ¿de cuántos instrumentos sabes tocar?

Bueno, empecé con el violín, pero se me daba muy, muy mal. Sin embargo, se me daba mucho mejor el piano. Así que tocaba mucho el piano cuando era más joven. Luego empecé con el trombón en el instituto. Mis padres eran, de hecho, artistas de vodevil en Nueva York por aquella época, y cuando nos mudamos a Florida abrieron su propio restaurante y club de música. Así que, cuando crecí un poco, me pidieron que me uniera a la banda del local, pero no para tocar el trombón: querían que tocara el clarinete y el saxofón. Así que me compré un clarinete y un saxofón, y aprendí a tocarlos. Como instrumentista de viento-madera, a veces también necesitaba una flauta, así que me compré una y aprendí a tocarla. Luego, en el instituto, me llamó la atención el fagot y empecé a tocarlo, además de la trompeta.

Cuando estaba en el último curso de secundaria, cantaba en el coro como barítono, tocaba la flauta en la orquesta, el trombón en el conjunto de viento, el clarinete en la banda sinfónica, el oboe en la banda de concierto, la trompeta en la banda de marcha y el saxo tenor en la banda de jazz.

Después fui a la universidad con una beca para tocar el oboe, así que me especialicé en oboe en la carrera. Disfrutaba mucho con todos estos instrumentos y he seguido tocándolos. Esto me resultó especialmente útil como profesora de música, ya que podía coger cualquiera de ellos y hacer una demostración. También me ayuda mucho a la hora de escribir, porque sabía muy bien qué resulta cómodo para los dedos de un músico y qué se puede interpretar con fluidez. Si pudiera conseguir el mismo efecto sonoro pero haciendo que fuera más fácil de tocar, lo haría. Como impartí clases en el instituto en mis últimos años, sobre todo porque siempre enseñaba orquesta, me encantaba tocar el violonchelo, así que me sentaba con los chicos y tocaba el violonchelo o el contrabajo, aunque no se me daba muy bien. ¡Es divertido, y animo a los chicos a que prueben tantos instrumentos como puedan!

¿Qué te llevó a probar suerte en la composición musical, además de dedicarte a la enseñanza?

Bueno, siempre he compuesto música, desde que estaba en el instituto, y era simplemente algo en lo que quería destacar. Sin embargo, es muy difícil abrirse camino en el mundo editorial. Lo habitual es enviar la música a una editorial tras otra y recibir un rechazo tras otro. Así que puede resultar muy desalentador, pero en un momento dado, al principio de mi carrera (cuando acababa de salir de la universidad), gané un premio en un concurso nacional de composición, y parte del premio consistía en la publicación de la pieza que había compuesto. Y recuerdo haber pensado: «¡Ah! Por fin lo he conseguido».

Pero la verdad es que no salió así, porque la pieza que ganó el premio era increíblemente difícil de tocar, y yo no tenía la experiencia suficiente para darme cuenta en aquel momento de que muy poca gente iba a ser capaz de interpretarla. Así que, aunque no fue precisamente un comienzo exitoso, recibir el premio supuso un gran reconocimiento. Aprendí de la experiencia y, por supuesto, el dinero también me vino muy bien.

Así que fue una experiencia estupenda, pero la verdad es que no fue precisamente la mejor forma de iniciar una carrera como compositor. Mi primera publicación exitosa la conseguí mientras cursaba el máster en Dirección de Orquesta. Estaba recibiendo clases de composición de un profesor muy inteligente y con mucho sentido común, y él me hizo replantearme mi forma de escribir música para que resultara más «fácil de interpretar». Me encargó un proyecto que le gustó mucho y fue él quien me facilitó los contactos necesarios para que la pieza se publicara. La pieza acabó vendiendo un número enorme de ejemplares y esa editorial quiso inmediatamente más música mía.

Fue entonces cuando lo entendí: podía seguir siendo fiel a mí mismo y a mi visión artística, y sentirme orgulloso de la música que compongo, pero componerla de tal forma que la gente pudiera interpretarla y así conseguir que me publicaran. Con el tiempo, he podido ampliar mi horizontes en ambas direcciones: subiendo un poco el nivel para producir obras de nivel universitario y también bajándolo un poco para adaptarme al nivel de secundaria. Eso es realmente lo que me hizo falta: ser capaz de entender lo que la gente quería tocar y poder ofrecérselo, sin dejar de encontrar una forma de transmitir mi propio mensaje musical al público. Fue muy satisfactorio.

Así es como empezó todo; poco después, empezaron a pedirme que compusiera piezas. Y ahí fue cuando comenzaron los encargos, probablemente poco después de que se publicara esa primera pieza, de hecho. Al principio recibía un encargo al año, y luego ese número fue aumentando progresivamente hasta unos 13 al año, momento en el que me pareció demasiado y empecé a reducir el ritmo. Me he dado cuenta de que soy más feliz cuando compongo entre 8 y 10 piezas al año. Pero, en cuanto a los encargos, intento limitarme a unas 3 o 4 piezas al año, y el resto las compongo a mi propio ritmo. ¡Pero me encanta hacerlo, y todavía me sorprende que la gente quiera que les componga música! A menudo también me piden que vaya a dirigir el estreno de la pieza que me han encargado para un grupo. A veces son grupos profesionales, otras veces son bandas comunitarias de adultos, bandas universitarias, bandas de instituto y, a veces, ¡incluso bandas de primaria! Y es una experiencia muy interesante trabajar con gente que sabe que esa es su pieza y que es la primera vez que se va a interpretar. ¡Es un acontecimiento realmente especial!

¿De dónde sacas la inspiración para crear piezas desde cero?

El proceso varía mucho según cada obra. En el caso de los encargos, suelo buscar la inspiración en mi cliente e intentar comprender qué tipo de obra está buscando. Mi inspiración puede estar relacionada con el lugar donde se encuentra mi cliente: intento encontrar algo vinculado a ello, como la historia local, las tradiciones, las leyendas o los lugares. Viajo mucho, lo cual me resulta muy inspirador. También me inspiro en el arte, en otros tipos de música, en la poesía… en un montón de cosas. El verano pasado, por ejemplo, estaba navegando frente a la costa del norte de África y experimenté esa increíble sensación de los vientos del siroco, que soplaban desde el Sáhara; fue sencillamente increíble estar flotando frente a la costa de Libia y sentir esos vientos increíblemente calientes, casi místicos, que fueron la inspiración perfecta para escribir mi obra «The Oracles of the Sirocco», que se publicará este año. A veces no tiene nada que ver con eso; puede ser simplemente un sonido, un color, un ritmo o una idea concretos, y simplemente te dejas llevar por ello. El proceso específico, en mi caso, consiste en dar con una idea concreta, que puede ser una melodía, un ritmo o algún tipo de sonido. A continuación, trazo una hoja de ruta sobre cómo voy a partir de esa base para transmitir mi mensaje. Así que lo enfoco como si fuera a hacer un viaje, a visitar algún lugar. Me pregunto… ¿por qué voy? ¿Por qué estoy componiendo esta pieza? ¿Qué pretendo ver? ¿Cuáles son los temas de la pieza? ¿A quién me llevo conmigo? ¿Para qué instrumentos estoy componiendo? ¿Cuánto tiempo me voy a quedar? ¿Cuál es la duración de la pieza? ¿Qué tipo de viaje es (¿voy a hacer senderismo por el Himalaya o a tumbarme en la playa)? ¿Es un viaje realmente exigente o es fácil? ¿Cuál es el nivel de dificultad de la música que voy a componer? Y al final del viaje, ¿me voy a quedar allí o voy a volver? ¿Cómo terminará la pieza?

Componer música es, en cierto modo, una experiencia muy etérea para mí. Me sumerjo por completo en ella mientras la compongo, y cuando estoy en medio de la composición, es lo único en lo que puedo pensar. ¡Incluso cuando duermo! Me despierto y es lo primero que me viene a la mente, estoy deseando ponerme con ello… me absorbe por completo. Me encanta componer música, pero lo que odio de ello es tener una fecha límite (aunque son precisamente las fechas límite las que me hacen terminar la pieza). No estoy seguro de hasta qué punto tendría éxito sin una fecha límite, y cuando aún no he empezado la pieza y veo que se acerca la fecha límite, es cuando empiezo a sentir la presión, y eso nunca es bueno. No quiero sentir nunca que tengo que componer, sino que siempre quiero sentir que puedo componer.

¿Alguna vez te has enfrentado al bloqueo del escritor?

¡Claro que sí! He aprendido que, cuando tengo bloqueo creativo, necesito alejarme un rato del texto. Puede ser algo tan sencillo como dar un paseo. O simplemente dejarlo un día y volver a él más tarde. Pero he descubierto que, cuando tengo un bloqueo creativo grave —lo cual, afortunadamente, no ocurre a menudo—, me digo: «Vale, no vamos a trabajar en este proyecto»; en su lugar, simplemente voy a jugar con la música y algunas ideas. «Ahora mismo no voy a escribir nada», me digo a mí mismo, «solo voy a divertirme un rato». Y entonces, me olvido de la presión de la pieza y de cualquier callejón sin salida musical en el que me haya metido en ese momento, y en unos 35-40 minutos suelo haber encontrado una idea genial para usar en la pieza, y así se rompe el bloqueo creativo.

¿Cuáles son las principales cualidades y habilidades que debe tener una persona que quiera triunfar como profesor de música?

Creo que hay que ser muy organizado y tener mucha iniciativa, como alguien con una personalidad de tipo A. También hay que ser un músico realmente bueno y tener muy buen oído, además de unas habilidades sociales de primera (saber cómo hablar con la gente y cómo captar su atención). También es importante contar con una increíble variedad de herramientas didácticas. Se podría llamar «bolsa de trucos», y esa es una de las razones por las que deberías asistir a congresos constantemente: para aprender más trucos que puedas añadir a tu bolsa. Una técnica de aprendizaje que siempre ha tenido mucho éxito puede funcionar para el alumno A, pero no para el alumno B; ahí es cuando tienes que rebuscar en tu bolsa de trucos y encontrar otra cosa que probar. Por eso, siempre hay que ampliar la base de conocimientos para incluir a tantos profesionales diferentes como sea posible.

Como profesor de música, también necesitas mucha confianza en ti mismo, porque constantemente te expones a una situación arriesgada. Si eres profesor de matemáticas o de inglés y pones un examen en el que a toda la clase le va mal, nadie se entera realmente, salvo los alumnos que lo han hecho. Pero cuando eres profesor de música, tu examen es una actuación, y si esos chicos la estropean, todo el público se enterará. Así que, en esencia, estás poniendo tu reputación como profesional en manos de unos adolescentes. Por eso, tienes que tener mucha concentración y confianza para poder encajar los golpes y aprender de esta manera.

Para terminar, ¿tienes algún consejo final para los lectores que quieran dedicarse a la enseñanza de la música?

¡Madre mía! ¡Es lo mejor! ¡Es. Lo. Mejor! A veces estoy hablando con el director de una banda y de repente me doy cuenta… ¿de lo afortunados que somos por poder pasar nuestras vidas rodeados de todos estos chicos increíbles, llenos de energía y que solo quieren dar lo mejor de sí mismos por ti? Estamos rodeados de esta música tan bonita y podemos decidir cómo vamos a enseñar.

Por último, diría que, si de verdad te encanta la música y te encanta la gente, tener la oportunidad de enseñar a los demás a través de la música tiene que ser una de las mayores alegrías que se pueden tener. Y poder rodearte de gente maravillosa y de música... No se me ocurre una forma mejor de pasar la vida.

Muchísimas gracias, señor Sheldon, por dedicar su tiempo a compartir unos consejos tan sinceros y por motivar a los aspirantes a músicos de la red Gladeo. Para saber más sobre la ilustre carrera del señor Sheldon, visita su página web (http://robertsheldonmusic.com/), ¡y te recomendamos encarecidamente que escuches algunas de sus piezas en YouTube!