Pintor (artista)

«En cualquier negocio, la comunicación siempre es un aspecto fundamental». 

El contacto en persona, los correos electrónicos, las exposiciones de arte, las redes sociales, la actualización de mi página web y las llamadas telefónicas forman parte del día a día de un artista profesional. 

En lo que respecta a la comunicación, uno de los aspectos más importantes es cumplir con lo que prometo, lo que genera credibilidad: entrego el trabajo a tiempo, respondo a los correos electrónicos lo antes posible y estoy disponible siempre que puedo. 

También está la maravillosa faceta creativa: el estudio. Es algo muy introvertido. Lo enfoco como si fuera a cualquier lugar de trabajo: dedico un tiempo concreto exclusivamente al estudio. Una vez que saco los colores, ya está: me aíslo del mundo exterior e incluso, a veces, ¡me olvido de cómo hablar después de pasar mucho tiempo así! 

Así que la única comunicación que hay en el estudio es entre mi pincel y el lugar y la forma en que aplico la pintura. 

Los días en los que la inspiración me falla, o no estoy en mi mejor momento, son los momentos en los que me dedico a los materiales del estudio. Siempre hay algo que hacer: ordenar, limpiar pinceles, ir a la tienda de arte a reponer pinturas u otras tareas relacionadas con los materiales. Esto es tan importante como cualquier otra cosa y tiene su momento: me llevó un tiempo averiguar cuándo dedicarme a estas tareas en lugar de a pintar propiamente dicho, ya que no me gusta hacer inventario ni crear nuevas paletas, pero hay un momento para ello, y ahora lo entiendo.» Isabell K. Fearnsby, pintora profesional y profesora adjunta del Cogswell College

Horario de trabajo

• Los pintores pueden trabajar a tiempo completo o no, dependiendo de su puesto y de sus preferencias personales. Muchos no quieren tener un empleo tradicional, sino que complementan sus ingresos trabajando como autónomos o profesores. El horario puede incluir turnos nocturnos o fines de semana, dependiendo del horario que elijan y de las necesidades de su empresa, sus clientes o sus consumidores.

Funciones habituales

• Colaborar con los empleadores o los clientes para determinar las necesidades específicas y los plazos
• Analizar el alcance y el presupuesto de un proyecto artístico, según corresponda
• Acordar el estilo pictórico y los materiales que se van a utilizar
• Encuentra plantillas, modelos y fotos que te sirvan de referencia cuando lo necesites
• Crea bocetos y maquetas para obtener la aprobación antes de seguir adelante
• Ten en cuenta la futura ubicación de cualquier elemento gráfico o texto adicional que vaya a acompañar a tu trabajo (por ejemplo, si estás diseñando la portada de un libro, ten en cuenta la disposición en la que se colocarán el título, el subtítulo, el nombre del autor, el logotipo de la editorial, etc.).
• Si trabajas como formador o profesor, elabora planes de clase y programas educativos adaptados a aulas y entornos diversos.
• Formar a una amplia variedad de perfiles, desde alumnos de educación primaria, secundaria y bachillerato hasta pacientes en entornos sanitarios, personas mayores, turistas o ejecutivos, en función del contexto.
• Mantén la flexibilidad y adapta la enseñanza al nivel actual de conocimientos y experiencia de los alumnos
• Enseñar el uso adecuado de las herramientas y materiales pertinentes para proyectos específicos
• Compartir conocimientos sobre líneas, figuras bidimensionales, texturas, perspectiva, ruedas de colores y valores (es decir, tonos claros u oscuros)
• Responsabilidades adicionales
• Asegúrate de que se disponga de todos los materiales y equipos necesarios
• Planifica posibles desplazamientos, en función del trabajo que haya que realizar
• Acompaña a los alumnos en su proceso creativo mientras exploran diferentes estilos
• Enseñar habilidades relacionadas con el arte, así como la confianza en uno mismo, la comunicación y la colaboración
• Organizar talleres breves, residencias o ciclos de clases sobre temas específicos
• Poner en marcha proyectos colaborativos que permitan a los grupos trabajar juntos
• Mantente al día de las últimas novedades y tendencias

«Ser artista consiste en un 50 % en la creación y en un 50 % en la gestión empresarial y la comercialización de la propia obra». 

En mi caso, hay una serie de pasos: la inspiración, las fotos de referencia o pintar in situ, el diseño y la planificación de la obra, y el estudio de obras maestras para ampliar mis ideas sobre cómo puede quedar la obra. 

Después de todo eso, viene la pintura propiamente dicha, que, en mi caso, puede llevarme desde una hora hasta más de 100 horas, dependiendo del tamaño y de la obra. 

Una vez terminada la obra, suelo crear una serie de cuadros que la complementen, si es que aún no forma parte de una serie; de ese modo, cuando la incluyo en una exposición, tiene un contexto, como un álbum, en lugar de ser solo una canción suelta. 

Busco un espacio o una galería donde exponer la obra o la serie, o, si tengo suerte, es el espacio el que me encuentra a mí. 

Una vez que eso está asegurado, empieza la descarada autopromoción. 

Las ventas son un aspecto fundamental para cualquier artista profesional. Hay mucho material a nuestra disposición sobre cómo negociar y conseguir más ventas, que resulta muy útil y no es tan empalagoso como parece. 

Me he dado cuenta de que las ventas y el marketing son aspectos esenciales para ser un artista profesional, y que esas habilidades son tan importantes como el talento y la inspiración a la hora de crear obras de arte. No hay que subestimar las ventas y el marketing, ya que son la forma en que un artista paga el alquiler, las herramientas, los materiales y el espacio de su estudio. 

Ser profesora requiere un conjunto de habilidades totalmente distinto, pero, en lo que respecta a mi faceta de artista, poder plasmar mi pasión por el arte, el espíritu emprendedor y los negocios en mi labor docente es una auténtica delicia. Para mí, la docencia es el complemento perfecto a mi faceta de artista profesional. «Isabell K. Fearnsby, pintora profesional y profesora adjunta del Cogswell College»

Habilidades interpersonales

• Capacidad para evaluar y orientar el comportamiento de los alumnos (en caso de ejercer la docencia)
• Capacidad para inspirar a los demás
• Habilidades comunicativas
• Creatividad
• Atención al cliente
• Empatía
• Entusiasmo
• Capacidad de organización
• Paciencia
• Ingenio
• Habilidades para coordinar e impartir actividades (en caso de dedicarse a la enseñanza)
• Concienciación social y cultural
• Buen criterio y capacidad de toma de decisiones
• Gestión del tiempo

Competencias técnicas

• Conocimiento de las herramientas y los materiales pertinentes al nivel que se imparte
• Los materiales artísticos pueden incluir: papel de distintos gramajes y tipos, lienzos, lápices, pinceles, bandejas, diluyentes, pintura acrílica, pintura al óleo, acuarelas, témpera, esponjas y limpiadores de manos.
• Conocimientos sobre equipos de presentación audiovisual
• Conocimiento de los estilos artísticos, los artistas famosos, los valores de mercado justos, los valores de mercado en efectivo y los factores de valoración para artistas emergentes, en plena carrera y consagrados
• Conocimientos sobre las redes sociales

• Talleres de arte
• Centros de formación profesional
• Barcos de crucero
• Centros de enseñanza primaria y secundaria
• Centros médicos
• Museos
• Prisiones y centros de detención
• Lugares de interés turístico
• Universidades

«Hay muchas organizaciones artísticas locales en las que se pueden encontrar oportunidades para dar clases, impartir talleres o conseguir encargos. Por lo general, un artista que está empezando tiene que hacer un gran esfuerzo de divulgación para conseguir exposiciones y dar a conocer su obra». Isabell K. Fearnsby, pintora profesional y profesora adjunta del Cogswell College

Todo el mundo ha oído hablar del término «artista hambriento», que hace referencia a un artista que sacrifica sus necesidades económicas para seguir dedicándose a su arte. Aunque este nivel de dedicación puede ser loable, probablemente sea más sensato intentar centrarse tanto en el arte como en los aspectos económicos al mismo tiempo. Con un poco de planificación, no hay por qué pensar que los pintores con talento tengan que pasar apuros económicos.
 
Sí, es cierto que los pintores quizá no siempre tengan una trayectoria profesional tan estable o predecible como la de otros trabajadores, pero eso no significa necesariamente que vayan a acabar en la ruina. La libertad y la flexibilidad son los principales atractivos para quienes rechazan la idea de un horario tradicional de 8 a 5, pero la contrapartida es que los pintores pueden tener que trabajar en horarios poco convencionales.
 
Algunos pintores simplemente prefieren trabajar por la noche (o cuando les venga la inspiración) en lugar de levantarse temprano todos los días. Muchos optan por ofrecer sus servicios como autónomos o mediante contratos por proyectos, obteniendo ingresos suficientes de un trabajo concreto como para poder permitirse un periodo de descanso después.
 
Para los profesores de pintura, la docencia puede constituir la mayor parte de sus ingresos, lo que significa que deben ser educadores dedicados. Trabajar como profesor a tiempo completo conlleva una serie de expectativas y sacrificios, entre los que se incluyen ajustarse al horario del centro educativo y dedicar tiempo a preparar las clases y corregir los trabajos. 

«Ha habido sacrificios económicos bastante importantes, eso está claro. Pero yo diría que lo principal es el tiempo. Hay que dedicarle mucho tiempo para ser un artista de éxito. Eso significa que todo lo que hace la gente normal, como salir con amigos y relajarse, ver películas o jugar a videojuegos, ese tiempo hay que dedicarlo al arte. Hay momentos de descanso y ocasiones para salir con los amigos, pero me he dado cuenta de que, si quiero sacar adelante mi trabajo, solo puedo salir lo mínimo imprescindible. Un artista tiene que contar con amigos y familiares muy comprensivos». Isabell K. Fearnsby, pintora profesional y profesora adjunta en el Cogswell College

Los acontecimientos de los últimos años han alterado tanto la economía y los patrones de empleo que muchas personas se están replanteando por completo conceptos tradicionales sobre el trabajo y los horarios laborales. Esto ha tenido efectos interesantes en el mundo del arte, ya que las artes y la cultura han sido históricamente factores clave en la economía mundial.

De hecho, en 2020, «las artes y la cultura aportaron 876 700 millones de dólares al PIB de EE. UU.», según la Asamblea Nacional de Agencias Estatales de las Artes. Aunque los precios de los cuadros individuales pueden fluctuar cuando el dinero escasea, Arts.gov señala que, en general, «el sector sigue desempeñando un papel desmesurado en la economía estadounidense».

¿Qué significa esto para los pintores? Indica que seguirán surgiendo oportunidades, pero los pintores deben mantenerse flexibles y contar con planes alternativos. Por suerte, a diferencia de muchos profesionales, ¡los artistas suelen prosperar cuando las cosas se vuelven un poco impredecibles!
 
También es importante reconocer que muchos artistas pintan con herramientas menos convencionales que los pinceles. Por ejemplo, los artistas del aerógrafo aplican la pintura utilizando una pistola de aerógrafo manual conectada a un compresor. Famosos artistas del graffiti como Banksy utilizan plantillas y pintura en spray para crear valiosas obras de arte urbano.

Al igual que todas las personas con inclinaciones artísticas y creativas, los pintores solían sentir pasión por las artes desde muy temprana edad. Es posible que encontraran consuelo emocional en el acto físico de pintar, así como una sensación de empoderamiento tras crear una obra acabada que expresara algo significativo para ellos.
 
Dominar cualquier forma de pintura requiere horas de práctica, lo que indica que los pintores de éxito deben tener un fuerte sentido del compromiso y la dedicación hacia aquello en lo que se proponen. Los pintores también tienen un gran deseo de compartir su visión con los demás, y es posible que, cuando eran más jóvenes, disfrutaran mostrando su arte.